Animatie staat voortdurend onder vuur. Ondanks animatie die de industrie overeind houdt in tijden van problemen, het medium staat altijd op de rand van een ramp. Tijdens de begindagen van de pandemie was het animatie die talloze producties redde – weet je nog wanneer? live-action tv-programma’s begonnen schijnbaar willekeurige animatiesequenties toe te voegen omdat het zo was de enige manier om halfafgemaakte afleveringen af te maken? Of het nu gaat om de opkomst van AI of om gestoorde studiohoofden die hun budgetten decimeren en complete films in de vuilnisbak gooien voor een belastingvoordeel: animatie maken is een enorme opgave. Natuurlijk zijn de ontberingen bij het maken van animatie niet beperkt tot technologische bedreigingen of studiopolitiek. Alleen al het animeren en geloofwaardig maken van een beeld is een uitdaging op zich.
Om erachter te komen hoe moeilijk het is, sprak /Film met verschillende experts op het gebied van animatie over het moeilijkste om te tekenen. We spraken met Derek Drymon, creatief directeur van de eerste drie seizoenen van “SpongeBob”; Genndy Tartakovsky, animatielegende en maker van “Dexter’s Laboratory” en “Primal”; Ryan C. Lopez, productiecoördinator bij Lucasfilm Animation en regisseur van de korte film “Onnamusha”; en Jorge R. Gutierrez, regisseur van ‘The Book of Life’ en ‘Maya and the Three’.
Hoewel de antwoorden net zo gevarieerd waren als de animatie-uitvoer van deze experts, viel één antwoord op tussen de rest: uitdrukkingen.
Voor gewone kijkers kunnen acteren en animatie onverenigbaar aanvoelen. Er is tenslotte geen levend persoon die een scène op het scherm naspeelt, of zelfs maar een pop die door een mens wordt bestuurd. Toch gedragen en gedragen de beste geanimeerde personages zich als levende wezens die ons voor hen laten voelen. Of het nu een beweging is, of zelfs maar een statisch beeld van een bepaalde blik of uitdrukking, dit is wat een tekening onderscheidt van een personage, en een beeld van een levend, ademend fictief wezen.
Het vastleggen van een geanimeerde look maakt het verschil
Hoe legt een animator spijt vast in één enkele, stille blik? Hoe zorg je ervoor dat een tekening of 3D-creatie liefde of verlangen uitdrukt, zonder hyperrealistische details? Ogen zijn de vensters naar de ziel, maar wat als een personage geen menselijk ogende ogen heeft? Daarin ligt de uitdaging.
Jorge R. Gutierrez wijst op een moment in zijn film “The Book of Life” (een film die Lin-Manuel Miranda bijna veranderde in een “hiphop salsa reggaeton musical”) waarin Diego Luna’s personage Manolo “Can’t Help Falling In Love With You” zingt voor zijn liefde, María (Zoe Saldaña). “Ze kijkt hem zo aan”, legt Gutierrez uit. “Die blik van verliefdheid, een subtiele bekentenis zonder woorden te zeggen. Die blik is de sleutel tot de hele film. Zonder die blik valt hij uit elkaar.”
Het tekenen en animeren van die ene uitdrukking was volgens de regisseur het moeilijkste wat er in de film te doen was. “Het is heel gemakkelijk om te ver te gaan en het pastiche of te cartoonachtig te maken”, vervolgde hij. “Maar als je niet hard genoeg gaat, merkt niemand het.”
Uitdrukkingen in animatie zijn cruciaal, en de beste tekenfilms slagen erin veel over te brengen zonder enige dialoog. De legendarische Chuck Jones was hier een meester in, waarbij veel van zijn cartoons geen dialoog bevatten, maar wel duidelijke emoties en bedoelingen.
“Het moeilijkste is om het denkproces van een personage vast te leggen via een uitdrukking of gezicht”, zegt Derek Drymon, die in 2025 “The SpongeBob Movie: Search for SquarePants” regisseerde.
“SpongeBob” is een show die in veel opzichten een opvolger is van de aanpak van Chuck Jones, met luide en expressieve karakters die de elasticiteit van het medium omarmen. “We proberen niet veel dialoog te voeren”, voegde Drymon eraan toe. “In plaats daarvan proberen we de emoties van de personages over te brengen, alleen al door hun uitdrukkingen.”
Geanimeerd acteren is nog steeds acteren
Eén enkele stille uitdrukking is al heel moeilijk om te tekenen, maar om vervolgens beweging aan een personage toe te voegen en hem te laten bewegen en zich gedragen als een echt wezen, maakt het allemaal nog moeilijker.
Zoals Ryan C. Lopez, een kortefilmanimator die voor Lucasfilm Animation heeft gewerkt aan titels als ‘Maul – Shadow Lord’ en ‘Tales of the Underworld’, stelt: er zijn geen kortere weg in animatieacteren. “Je kunt vals spelen met andere opnames, maar als er maar een camera op iemands gezicht staat en diegene actie moet ondernemen, kun je er niet omheen”, zei hij. Lopez noemt de scène aan het einde van “Part of Your World” in “The Little Mermaid”, waar Ariël naar de camera reikt en we dicht bij haar gezicht komen, wat het pure verlangen dat ze voelt benadrukt.
“Dat is wat ik zou zeggen het moeilijkste en moeilijkste om te tekenen”, vervolgde Lopez. “Omdat je het publiek er gewoon van moet overtuigen dat deze persoon leeft en bij ons is, met elke kleine eigenaardigheid die een persoon doet – elke kleine oogwenk.”
Tekenfilms en stille cinema, vooral slapstick-komedie, passen zo goed bij elkaar omdat ze allebei afhankelijk zijn van brede bewegingen en uitdrukkingen om zich uit te drukken zonder dialoog. Derek Drymon herinnert zich dat de maker van “SpongeBob”, Stephen Hillenburg, een grote fan was van Laurel en Hardy. “Je vertelt gewoon wat ze dachten, gewoon door hun acteerwerk, zonder enige zang, zonder enige dialoog. Je kunt altijd echt vertellen wat deze personages dachten, gewoon door de lichaamstaal en door de silhouetten.”
“Primal” is een recenter voorbeeld van dit idee. Het meesterwerk van Genndy Tartakovsky is volledig verstoken van dialoog, maar brengt toch alles over wat je zou willen weten over de wereld en de personages en wordt net zo emotioneel als elk hartverscheurend drama.
Dieren tekenen blijft de vloek van het bestaan van animators
Hoewel het maken van een personage-emote de consensus lijkt te zijn voor het moeilijkste in animatie, is er nog een simpel feit dat door de jaren heen waar is gebleven: dieren zijn moeilijk.
Niet alleen fantastische wezens die de natuurkunde tarten, maar ook historische wezens en zelfs gewone dieren. Desgevraagd erkende Genndy Tartakovsky dat “dinosaurussen moeilijk waren”. Ondertussen had Jorge R. Gutierrez een algemener antwoord, een antwoord dat nogal een cliché is onder kunstenaars. “Als kind had ik altijd veel moeite met het tekenen van paarden. Het is super moeilijk om paarden te tekenen”, zei hij. “Het probleem met paarden is dat als je ze goed doet, niemand het merkt. Maar ze merken het altijd als je ze verkeerd doet.”
“Als vijfjarige tekende ik Zorro op zijn paard en een neef vertelde me dat het er verschrikkelijk uitzag. Vanaf die dag heb ik geen paarden meer getekend”, vervolgde Gutierrez. “Als je naar ‘The Book of Life’ kijkt, is er maar één paard in de hele film, en ik moest een ontwerper genaamd Andy Bialk inhuren om het paard te maken, omdat ik het niet zou doen.”
Het medium animatie zit vol mogelijkheden, fantastische werelden en beelden die je hersenen kunnen breken en die nooit zouden werken in live-action. Vanwege de mogelijkheden van animatie en de verschillende kunststijlen die naast elkaar kunnen bestaan in een project, is het ook gemakkelijk om standaard het voorgaande te repliceren.
“Ik denk dat het moeilijkste aan tekenen is om uniek te zijn. Je kunt alles leren tekenen door het veel te tekenen”, zei Tartakovsky. “Maar om uniek te zijn en je eigen kijk op je tekening te hebben en je eigen stijl die uniek is voor jezelf (…) Het wordt steeds moeilijker om een individu te zijn met een unieke stijl die niemand anders heeft.”
