Ontwerpers houden van intentie. Architecten tekenen onberispelijke plannen; curatoren maken ongerepte galerijen; ontwikkelaars bedenken zorgvuldig gechoreografeerde publieke ervaringen. Maar zodra de algemene bevolking verschijnt, hebben die ruimtes de neiging te veranderen. Soms is er een instinct onder ontwerpers om ertegen te vechten; het is moeilijk om een esthetisch doel los te laten.
Maar—vaker wel dan niet—het publiek maakt ruimtes en ontwerpen beter. Het zijn de mensen, en niet alleen de plek, die tot de verbeelding spreken en onvermijdelijk het karakter ervan vormgeven. Het zijn de mensen die de macht hebben om van een ontwerp iets uitnodigender en relevanters te maken, en ontwerpers ertoe aanzetten buiten de gebaande paden te denken op het gebied van creativiteit en probleemoplossing.
Afgelopen januari kwamen experts op het gebied van kunst, infrastructuur, eten en burgerlijk ontwerp in New York City, op een kleine placemaking-top georganiseerd door Journey, samen rond dit idee: ruimtes komen tot leven zodra het publiek ze zich eigen maakt.
ONTWERP VOOR BEZOEKERS
Tijdens de Summit beschreef Katherine Fleming, CEO van de J. Paul Getty Trust, bijvoorbeeld hoe bezoekers de iconische trappen en gazons van het Getty Museum een nieuwe vorm gaven. Ook al waren ze ontworpen als louter esthetische overgangsruimtes, het werden al snel ontmoetingsplekken: plekken voor picknicks, schetsen, gesprekken of stille reflectie. En in plaats van dat gedrag te corrigeren om de oorspronkelijke functie van het terrein te behouden, omarmde het Getty het. Het resultaat was langere museumbezoeken en een positiever discours onder de bredere gemeenschap van Los Angeles—niet, het is belangrijk op te merken, verminderd prestige.
Diezelfde flexibiliteit komt tot uiting in het werk van Antwaun Sargent als Gagosiaanse regisseur, waar hij galerijen cureert die door het publiek worden geïnformeerd. Zijn Sociale Werken De tentoonstelling belichtte kunstenaars die ingebed waren in hun gemeenschap, waaronder een installatie van Linda Goode Bryant die een volledig functionerende aeroponische boerderij in de galerie tentoonstelde om het gebruik ervan als gemeenschapsruimte te demonstreren, waarbij traditionele opvattingen over wat ‘kunst’ is en hoe deze gemeenschappen dient, worden uitgedaagd. Deze aanpak veranderde de galerij naar binnen een gemeenschap, waardoor het een plek wordt voor het publiek om samen te komen en te leren in plaats van alleen maar te observeren.
Dit begrip gaat verder dan kunstinstellingen en komt voor in alledaagse ruimtes, zoals winkelgemeenschappen. Zoals Claire Bernard, senior food & drinks manager voor Chelsea Market en Market 57, deelde, bleef het ontwerp van de iconische Chelsea Market in New York City niet lang vast. Winkeleigenaren veranderden regelmatig de displays, herwerkten de lijnen en trokken zitplaatsen naar binnen of naar buiten, afhankelijk van de menigte. Wat begon als duidelijk gedefinieerde voetafdrukken, waar de ene retailer ophield en de andere begon, vervaagde snel zodra echte mensen in de mix terechtkwamen. Deze kleine, praktische aanpassingen maakten geen deel uit van een groots plan, maar creëerden een werkelijk organische markt die in realtime op de patronen van de menigte kon reageren. In veel opzichten heeft die flexibiliteit ervoor gezorgd dat het authentiek en levend aanvoelde. Het herinnert ons er opnieuw aan dat aanpassing de gemeenschap, de verkopers en de ruimte zelf ten goede kan komen.
Misschien wel het meest voor de hand liggende voorbeeld is de openbare infrastructuur. Tina Vaz, directeur kunst en design bij de Metropolitan Transportation Authority (MTA), sprak over de evoluerende kunst- en ontwerpinspanningen van de MTA, waarbij ongeveer 4,3 miljoen dagelijkse passagiers transitstations omzetten in artistieke interacties. Of het nu gaat om poëzie-installaties, liveoptredens, permanente kunstwerken of occasionele graffitikunst zonder opdracht, de MTA past zich voortdurend aan en reageert op de geleefde ervaringen van rijders. Ondertussen omarmen initiatieven van de Times Square Alliance de constante stroom van een van ’s werelds drukste kruispunten, waarbij installaties en digitale kunstwerken in gebruik worden genomen die speciaal zijn ontworpen voor een bezoekend meertalig publiek. In veel opzichten zijn deze programma’s juist succesvol omdat ze de onvoorspelbaarheid accepteren en de diversiteit van de mensen die ze proberen te bereiken omarmen.
4 ONTWERPTIPS VOOR OPENBARE RUIMTEN
Wat moeten ontwikkelaars en ontwerpers hiervan leren?
1. Ontwerp voor participatie. Ruimtes zijn nog niet klaar als ze opengaan. Het kan zijn dat ze nooit klaar zijn. Bouw dus flexibiliteit in, of het nu gaat om verplaatsbare zitplaatsen, aanpasbare bewegwijzering, multifunctionele zones of tijdige installaties, en leer van wat uw gemeenschappen vragen.
2. Meet betrokkenheid anders. Statistieken geven vaak prioriteit aan esthetische loyaliteit of operationele efficiëntie. Maar de echte tekenen van succes zijn vaker hoe lang mensen op een plek doorbrengen, hoe vaak ze er opnieuw bezoeken en hoe bereid de gemeenschap is om er spontaan mee aan de slag te gaan.
3. Nodig samenwerking uit. Kunstenaars, bewoners, pendelaars en bezoekers brengen allemaal contexten mee die je misschien niet verwacht. Gestructureerde programma’s zoals residenties, gemeenschapsgroepen, publieke feedbackdiscussies en gemeenschapsgerichte ontwerpen vormen deze contexten productief. Uw ruimtes worden op hun beurt doordachter en aantrekkelijker.
4. Laat perfectie los. Sommige van de meest geliefde openbare ruimtes zien er ‘rommeliger’ uit en functioneren anders dan hun oorspronkelijke ontwerp. Maar dat is het mooie van ontwerpen voor het publiek: de onvoorziene transformaties zijn tekenen van leven. Een ruimte die die menselijkheid kan absorberen, in plaats van zich ertegen te verzetten, zorgt ervoor dat een ontwerp buiten zichzelf kan treden en echt gemeenschappelijk kan worden. En gemeenschap is per definitie altijd een samenwerking.
Andrew Zimmerman is de CEO van Journey.
