Geen enkele film is immuun voor de geschiedenis. Er is een reden waarom filmcritici zeggen graag dat alle films politiek zijn. Dat komt omdat elke film het directe resultaat is van de tijd waarin hij is gemaakt. Elke film, of de filmmakers het zich nu realiseren of niet, omarmt de waarden die op dat moment door de lucht zweefden. Alle politieke kwesties van de dag worden – bewust of onbewust – gesynthetiseerd door de geest van de kunstenaar, waardoor kunst ontstaat die altijd een commentaar zal zijn op de hedendaagse moraal. Als een film geen politiek lijkt te hebben, komt dat alleen maar omdat hij het 100% eens is met de status quo. Als je niet het gevoel hebt dat een film politiek is, komt dat alleen maar omdat je het eens bent met de mening van de film.
Het is gemakkelijker om de politiek van een film te zien – vooral de onverantwoordelijke politiek van een film – met het voordeel van een paar decennia terugblik. De films uit de jaren zestig, die nu allemaal meer dan vijftig jaar oud zijn, weerspiegelen noodzakelijkerwijs de opvattingen en sociale mores van die tijd. Veel films uit de jaren zestig waren vooruitstrevend, progressief of universeel, waardoor ze goed konden verouderen en nog steeds als gangbusters konden spelen voor een modern publiek. Vele anderen zijn echter assertief retrograde en versterken de meer racistische houdingen, seksistische impulsen en de lakse berichtgeving van de afgelopen decennia.
Zelfs toen de makers van de media uit de jaren zestig progressief wilden zijn, vielen ze vaak standaard terug in seksisme of racisme. Gene Roddenberry probeerde zijn tv-serie ‘Star Trek’ uit 1966 enigszins vooruitstrevend te maken in termen van aardse eenheid, maar hij kleedde de vrouwelijke castleden van de show nog steeds in minirokken en schreef afleveringen waar behoorlijk seksistische ideeën achter zaten.
Of ze nu opzettelijk waren of niet, de volgende films uit de jaren zestig verouderen als fijne melk.
Ontbijt bij Tiffany’s (1961)
Blake Edwards’ bewerking uit 1961 van Truman Capote’s roman ‘Breakfast at Tiffany’s’ voelt in het begin niet helemaal gedateerd aan, maar heeft zeker een ouderwets gevoel gekregen. Holly Golightly (Audrey Hepburn, hoewel de rol voor Marilyn Monroe was geschreven), een gekke socialite, is afwisselend idioot en werelds, en straalt een soort vrijlopende jaren zestig-houding uit die je niet zo vaak meer in films ziet. De film heeft ook een losse structuur, en je herinnert je misschien meer de lange, spraakzame feestscènes dan wat dan ook wat te maken heeft met het plot of de personages. Ik herinnerde me bijvoorbeeld pas toen ik onlangs opnieuw keek hoeveel drugsdealers bij het verhaal betrokken waren. In plaats daarvan herinnerde ik me de scène aan het einde waarin Paul (George Peppard) eindelijk Holly’s hart verwarmde.
Maar de losbandige jaren zestig-houding is niet de reden waarom ‘Breakfast at Tiffany’s’ gedateerd is. Het is de casting van de blanke acteur Mickey Rooney als Mr. Yunioshi, Holly’s Japanse huisbaas. In de jaren zestig werd het als beledigend beschouwd als blanke acteurs in blackface verschenen, maar het lijkt erop dat het veranderen van een blanke acteur in een Japanse man nog steeds als oké werd beschouwd, althans volgens reguliere studionormen. Rooney’s optreden is verschrikkelijk aanstootgevend en leunt op fysieke stereotypen en racistische attitudes. Blake Edwards dacht waarschijnlijk dat Rooney slechts een ‘grappig’ personage speelde. Ik heb geleerd van een video op het Be Kind Rewind-kanaal op YouTube dat Rooney in vroege persmaterialen werd gecrediteerd als “Ohayo Arigatou”. Diezelfde video wees erop dat Edwards feitelijk ging vertrouwen op het ‘grappige Japanse stereotype’-personage als de beste manier om komedie in de film te verwerken.
Het resultaat is een racistisch optreden voor alle leeftijden. Rooney speelt het accent en de onhandigheid van meneer Yunioshi uit, waardoor hij iets wordt dat het moderne publiek niet kan verdragen.
Zoeloe (1964)
Cy Endfields oorlogsepos ‘Zulu’ uit 1964 volgt de gebeurtenissen tijdens de Slag om Rorke’s Drift, een conflict uit 1879 tussen de Britten en het Zoeloe-rijk in zuidelijk Afrika, uitgevochten tijdens de Zoeloe-oorlog. De strijd was, kort gezegd, een poging van de Britten om het gebied te koloniseren. Bij de Slag bij Isandlwana weerden de lokale Zoeloe-bevolking de kolonialisten af. Sommige Zoeloes braken de strijd af en gingen ook achter een Britse post bij Rorke’s Drift aan. De Britten slaagden erin de aanval af te slaan en vielen op als ‘helden’ tegen de ‘slechte’ Afrikaanse lokale bevolking.
‘Zulu’ heeft niets slechts te zeggen over het Britse kolonialisme en beeldt de soldaten af als belegerde helden die vechten voor een ‘verloren zaak’. Paste Magazine schreef ooit een retrospectief over ‘Zulu’, Er wordt op gewezen dat de film in de loop der jaren veel kritiek heeft gekregen vanwege de afwijzende houding ten opzichte van het Zoeloe-volk, en de harde leunen op jingoïstische opvattingen over de glorie van het vechten voor het Britse rijk. The Times citeerde zelfs ooit “Zulu” als potentieel ideeën die gemakkelijk door blanke nationalisten kunnen worden omarmd. In datzelfde artikel werd de film echter verdedigd, met het argument dat er tragedie- en horrorscènes in zaten die elk chauvinisme ondermijnden. Het lijkt erop dat “Zulu” tot op de dag van vandaag controversieel blijft. /Film noemde het nog steeds een van de beste van Michael Caine.
En hoewel er misschien niets expliciets in de tekst van ‘Zulu’ staat dat het blanke nationalisme aanmoedigt, kozen de filmmakers er toch voor om een film over deze gebeurtenis te maken, die in de verkeerde handen als propaganda zou kunnen worden gebruikt. In de jaren twintig zijn we veel gevoeliger voor media die een duistere politiek kunnen aanmoedigen, en het is verstandig en noodzakelijk om op deze dingen te wijzen.
‘Zulu’ kan dus niet worden bekeken zonder dat deze gesprekken zijn bijgevoegd. Dat is een slechte manier om ouder te worden.
Het temmen van de feeks (1967) en Romeo en Julia (1968)
De aanstootgevende delen van Franco Zeffirelli’s verfilming uit 1967 van William Shakespeare’s “The Taming of the Shrew” zijn niet echt de schuld van de regisseur. Eigenlijk ligt de fout in dit geval bij Shakespeare. “The Taming of the Shrew”, een komedie geschreven begin jaren 1590, gaat over een eigenzinnige, ongehuwde vrouw genaamd Kate die wordt “getemd” door een beledigende vrijer genaamd Petruchio. Petruchio besteedt het stuk aan het lastigvallen en misbruiken van Kate totdat haar wil wordt gebroken en ze een gehoorzame vrouw wordt. Zelfs Shakespeare-gekken moeten zich in allerlei bochten wringen om het stuk als allesbehalve seksistisch te interpreteren.
Zeffirelli’s vertolking van “Shrew” draait het script echter niet genoeg om, waardoor al het seksisme van Shakespeare intact blijft. Elizabeth Taylor speelt Kate, en het is een tragedie om te zien hoe haar pittigheid wordt doorbroken door Petruchio van Richard Burton.
Iets wat echter de schuld van Zeffirelli is, was zijn behandeling van tienerseksualiteit in zijn bewerking uit 1968 van ‘Romeo en Julia’. Hoewel zijn ‘Romeo en Julia’ eerlijk zijn tegenover de tekst en misschien wel een van de beste bewerkingen is die het stuk ooit heeft ondergaan, is Zeffirelli misschien iets te openhartig geworden tegenover zijn hoofdrolspelers. Hij wilde laten zien dat Romeo en Julia seksueel waren geweest, en maakte op beruchte wijze een scène waarin zijn twee hoofdrolspelers, Olivia Hussey en Leonard Whiting – destijds beiden minderjarig – naakt leken.
In 2023 klaagden Whiting en Hussey Paramount aanwaarbij hij beweerde dat de naaktscènes onder dwang waren gefilmd en dat de naaktheid een last-minute beslissing van Zeffirelli was. De rechtszaak komt ook overeen met verschillende andere incidenten waarbij Zeffirelli seksueel ongepast zou zijn tegenover jonge acteurs. waaronder “Romeo en Julia”-acteur Bruce Robinson. Het is een geweldige film, maar het is nu moeilijk om naar te kijken, wetende wat we met Zeffirelli doen.
You Only Live Twice (1967) (en James Bond in het algemeen)
Als we eerlijk zijn, zijn de meeste James Bond-films problematisch. De superspion van Ian Fleming werd voor de films omgetoverd tot een ultraseksuele damesman, een charmeur van het hoogste niveau. Door Sean Connery’s weergave van het personage (beginnend in 1962 met “Dr. No”), werd Bond een onverbeterlijke lothario die zijn seksuele bekwaamheid vaker als wapen gebruikte dan zijn Walther PPK. Bonds libido en het daarmee gepaard gaande seksisme waren zo berucht dat het openlijk werd gehekeld in de versie van ‘Casino Royale’ uit 1967.
Maar van de vroege James Bond-films is er geen meer aanstootgevend dan Lewis Gilberts ‘You Only Live Twice’, de vijfde film in de door Eon geproduceerde James Bond-serie. en openlijk gehaat door Roald Dahl, de scenarioschrijver. In “Twice” moet James vermomd naar Japan reizen … als een Japanse man. Hij is uitgerust met speciale make-up om hem Aziatische kenmerken te geven, die niet in het minst overtuigend zijn. De meeste vrouwen worden doorgaans geobjectiveerd in de vroege James Bond-films, en dat geldt zeker voor de Japanse vrouwen die James Bond koesteren en aaien als een dwalende seksgod.
James Bond-films spelen zich meestal af in steden over de hele wereld, en hun wereldreis blijft een van de aantrekkelijkere kenmerken van de serie. Maar met ‘Twice’ wordt Japan vooral gezien vanuit het perspectief van een buitenstaander, waarbij het Japanse volk in extreme mate wordt ‘anders’. Wat ooit een grillig uitstapje naar een exotisch land leek, lijkt nu in moderne ogen achterlijk en racistisch. In 1967 waren Japanse filmmakers als Akira Kurosawa en Yasujiro Ozu over de hele wereld bekend. Meer mensen konden echte Japanse films zien. ‘You Only Live Twice’ voelt zich dan achter de tijd.
De partij (1968)
En hier zijn we weer met Blake Edwards. Ik heb persoonlijk geen problemen met Edwards, hoor, maar als komediefilmer in de jaren zestig vertrouwde hij voor zijn komedie te vaak op ‘grappige’ stereotypen. In ‘Breakfast at Tiffany’s’ leunde hij tegen Mickey Rooney aan die een Japans personage speelde. In “The Party” gebruikte hij de zeer getalenteerde Peter Sellers (ster uit Edwards’ vroege Pink Panther-films) om zijn gezicht bruin te schilderen en een Indiase man te spelen. Dit was niet nodig, aangezien hij genoeg Indiase komieken had die hij had kunnen casten in de rol van Hrundi V. Bakshi, het centrale personage van zijn film.
De verwaandheid van “The Party” is eigenlijk best grappig. De acteur Bakshi veroorzaakt, omdat hij een wat onhandig personage is, per ongeluk een explosie op de set van de film waarin hij verschijnt. Het woedende studiohoofd probeert Bakshi’s naam op een letterlijke zwarte lijst te schrijven, maar schrijft hem in plaats daarvan op de uitnodigingslijst voor een high-end industriefeest. Ter verdediging van ‘The Party’ gaat het niet om de dwaasheid van Bakshi, maar om de filmindustrie zelf. De gasten op het feest zijn nog belachelijker dan de hoofdpersoon.
Maar we kunnen er niet omheen dat ‘The Party’ zich baseert op stereotypen en dat een blanke acteur met een bruin gezicht verschijnt. In 2007 schreef The Guardian een stuk over een algemeen gevoel van ambivalentie tegenover ‘De Partij’. Ja, zegt de auteur, de film van Edwards is erg grappig. Maar, voegt hij eraan toe, het wordt ook geleid door een racistische karikatuur.
